这几年经常在上海看演出的朋友对“鸭打鹅”（Duck Fight Goose）一定不陌生。
他们与Tomàn、Gang of Four等不同风格的乐队同台，在上海迷笛音乐节、回声公园音乐节等音乐节登台，在大福、兵马司、New Noise等厂牌联合演出中也有他们。他们曾经被认为是上海数字摇滚的代表，后又超越了摇滚范畴。他们的演出总是配有酷炫的影像，并且推陈出新。在8月份结束的“林比克人DOC x 鸭打鹅 一次声像体验”上，“鸭打鹅”通过影像和声音的双重升级，宣告全新专辑《未来俱乐部》诞生，狂舞未来之幕开启。
《未来俱乐部》比“鸭打鹅”的首张专辑《运动》更科幻、更时髦，延续着他们一贯的古怪幽默感。“鸭打鹅”致力于做出与众不同的音乐，早已不能用“数字摇滚乐队”可以概括，他们投身广阔的电子领域，玩起融合，在舞台历练和精益求精中，比早年作品走得更远。他们总是有意识地提升自我舞台形象，在现场为到场者制造一个全新的时空，这使得他们的成长伴随着感官体验升级换代。模仿电子游戏的CD包装，多媒体帷幕投影，“一针一线”制作出来的影像，这些配合音乐，用声和像共同打造出一个虚构的“未来反乌托邦世界”。为了了解这个新世界，我们联系参与乐队音乐和影像创作的主脑韩涵，和我们聊了聊跳舞为何成为穿越时空的科幻迷境，顺便揭穿围绕着“鸭打鹅” 的种种传说。
Numéro：初次见面，请介绍一下“鸭打鹅”名称的来历。
韩涵：我们一直被问这个问题，解释前我想先说一个故事。我们2012年因为偶然机会在洛杉矶录节目，结束后一位老人走过来说，我知道你们是中国乐队，你们的名字一定是要表达某个政治主张吧！我们只能苦笑。我们觉得既然意义摆脱不了曲解，那就干脆选择无意义。听起来还轻松有趣的就更好了。
Numéro：最近的欧洲演出观众反响如何？
韩涵：观众的反响和以前在欧洲演出时差不多。但这次没人太介意我们来自哪儿，既没被当成社会主义国家的叛逆者，也没成为华侨慰问乐队，这一点我很开心，祖国加油。
Numéro：新专辑《未来俱乐部》（CLVB ZVKVNFT）名称中的U都写成V的原因是？你心中的俱乐部精神是什么？
韩涵：就是好玩，感觉酷。如果直接用U的话就和苏黎世一个俱乐部名字完全一样了，虽然我们非常喜欢那家俱乐部，而且也在那里演过。俱乐部精神太大，挺难说的。但我们喜欢的俱乐部肯定是特别暗，没人在乎周围人在干嘛的那种，一个有点与世隔绝的地方，另一个次元的感觉。
Numéro：你们是不是受到不少Techno前辈影响？
韩涵：要说影响当然有，但影响我们的东西实在太多了，我觉得对这张专辑影响最大的可能还是《中国好声音》。
Numéro：新专辑中不少作品是不是这些年都陆续有演过片段？不停演出是你们打磨作品的一大方式吗？
韩涵：对！完成作品的方式因人而异，主要看什么方式适合乐队，没有对错。我记得看过Mew的一个访谈，他们是歌曲差不多成型了以后去巡演，然后再去棚里录音。这样能够知道作品哪些点比较能打动人，哪些点比较无聊，然后放大感人的部分，缩小无聊的部分。对我们来说创作——演出——完善——录音的方法比较有效率。
Numéro：《马》的最初概念是如何形成的？
韩涵：这首歌的灵感来源比较直接，就是一次我、33、李剑鸿、vavabond去海边玩，台风天，海滩上就我们4个，挺疯的。有那么一个瞬间我觉得海浪就像马群一样朝我跑过来，脑子里一段模糊的旋律也出来了，这时我就赶回酒店，把歌写了出来。
Numéro：林比克人的现场很棒，舞美和音乐让演出成为一个很特别的体验，有人认为你们的影像太过酷炫，在现场光顾看视频，都没怎么跟着跳，你怎么看？
韩涵：承蒙夸奖！如果视频好到让人忘记跳舞，那我们太高兴了！声像体验的“声”和“像”去掉任何一个，都不完整。选择这个方式当然首先因为我们有强烈的创造欲，想要做多媒体演出，和一般的摇滚演出区别开。其次因为两个乐队的音乐都具有故事性。最后一个原因是我们两个乐队在台上都没有煽情表演，希望视频和舞台设计能满足一些听众的视觉诉求。我个人认为音乐家需要做的是通过乐器传达感情，这是音乐家的语言。但现代听众对于视觉有太强烈的渴望，有些大趋势似乎不可逆。鸭打鹅希望会越来越向艺术团体这个方向走，逐渐尝试更深沉一些的叙事性现代音乐，而不仅仅是摇滚乐或者电子乐。综合起来就有了这次演出的视频和舞台设计。
Numéro：哪些音乐人的现场多媒体表演令你感到特别印象深刻？
韩涵：印象最深刻的应该是很多年前看的“Moha！”的演出，一支挪威的实验噪音乐队，Rune Grammofon厂牌的。他们在上海演的那次用Supercolider、PD自己写程序控制自己带来的舞台灯光，全部是频闪和各种灯管，实时控制。我觉得那才是我心目中真正的现代迷幻摇滚乐现场。那次我、33、熊猫还有熊猫老婆小白熊站在第一排。第一首歌结束，所有人都退到舞池最后去了，只剩我们四个人在前排抓着栏杆听，都是鼓和吉他噪音，很妙。受他们的影响，这次我和能火做的大部分视频都是用Processing、C++、Max和QC编程完成。
Numéro：能介绍一下这次的新媒体艺术创作团队吗？据说你们花好几个月进行视频创作和舞台效果设计，你都有全程参与，这工作量不比录制专辑小。如何看待影像和音乐的关系？现在发行专辑越来越像一次跨界的艺术创作，挑战是否越来越大？
韩涵：这次视频的制作是能火和我，放射能的王萌也参与了一部分。现场的VJ是能火和王萌，我同时还做了舞台设计和团队协调工作。上海站的灯光是年轻的视觉艺术家付彤做的。我理科出身，在中科大学了五年化学，后来又念了一个大众传播的研究生，所以经常倾向于用科学和人文混杂的方式来考虑影像和音乐的关系。它们有共性：都是线性的媒介，如果是计算机运算的话都需要并行处理。但它们的区别也非常大。你要它们互相做映射，其实需要考虑的事情很多，因为它们是不能一一对应的两个系统。问题的关键还是在于艺术家想要传达的重点是什么。我觉得一定是比过去需要想得多，但未必一定要去做大家都做的事情，有时逆潮流而动也非常有效。跨界这个事情很多时候出来的东西不伦不类，症结在于跨界的两方或者多方根本不了解对方在干嘛，这是最可怕的跨界。
Numéro：到底什么是“林比克人”？
韩涵：林比克系统也就是边缘系统，负责产生很多的感受，其中既包括听觉也包括视觉，还有最重要的：本能和情感。对声音和视觉产生本能的反应，也是林比克人演出要强调的部分。更重要的点在于，每个人都有林比克系统，为什么很多人却不能敏锐地察觉到艺术作品的美，这可能是最有趣的地方。我们叫这个名字也是一种漫画想象，也许有那么一群人的林比克系统特别发达，感知敏锐，和X战警差不多。我们爱这样的听众，我们觉得自己也是这样的一群人。
Numéro：“鸭打鹅”电子化是否受你个人影响比较多？
韩涵：肯定是我把大家带坏的，但其实乐队里的人都在往这个方向走，乐队里的人能在大致相同的时期真正静下心来了解音乐、拥抱音乐，这个是我觉得特别感恩的地方。我们现在做的音乐是我们目前都喜欢的方向，我们自己半开玩笑地给这个风格取了个名字，叫Future Fusion未来融合，算是向1970年代的Fusion致敬。
Numéro：除了你之外的其他人都是有全职工作的，能否介绍一下你们具体的工作？33在素然，JB是汽车工程师？熊猫说上海的航站楼都是他们公司造的？你们如何平衡工作和排练？乐队成员碰头的频率是怎样的？
韩涵：差不多就像你说的这样吧，我从2012年一直到去年都在一个活动公司负责创意和项目管理工作，同时做乐队。后来觉得有些东西要花时间静心学习才暂时离开，可能不久还会回去。工作和音乐基本平衡不了，但生活里太多东西无法平衡，有时觉得反而不平衡的状态才是好的。乐队和制作人“驴”（这乐队都是动物）基本上1到2周会聚一次，排练对我们来说是次要的，保持一个融洽的小团体，一起创作音乐才是最重要的事情。
Numéro：新专辑就像是一张游戏OST。你们会尝试真的做一款游戏吗？
韩涵：我已经把故事发给几个做电子游戏的朋友，想看一下可能性。如果真做成游戏我们肯定会高兴疯了。IdleBeats的Nini和Gregor为我们做了一些插图，也许能成为游戏的视觉参考。
撰文 九间，编辑 刘星
刊于《Numéro大都市》#63，点击这里看官网公众号上的原文，另有乐队全新造型哟！
